Bogomir Ecker documenta-Teilnehmer und Mitglied der Akademie der Künste Berlin, ist mit Kunst im öffentlichen Raum und kontextbezogenen Skulpturen bzw. Installationen bekannt geworden. Seine Werke zeichnen sich dadurch aus, dass stets naturwissenschaftliche Betrachtungsweisen in sie einfließen. Sie thematisieren Sinneswahrnehmungen und Kommunikation, insbesondere das Sehen und das Hören, und besitzen häufig einen technischen oder apparatartigen Charakter, ohne die Technik um ihrer selbst willen in den Mittelpunkt zu rücken. Sie ist vielmehr das Medium, durch dessen vermeintlichen Wiedererkennungswert der Betrachter dazu gebracht wird, ungewohnte Perspektiven einzunehmen.

Bogomir Ecker documenta-Teilnehmer und Mitglied der Akademie der Künste Berlin, ist mit Kunst im öffentlichen Raum und kontextbezogenen Skulpturen bzw. Installationen bekannt geworden. Seine Werke zeichnen sich dadurch aus, dass stets naturwissenschaftliche Betrachtungsweisen in sie einfließen. Sie thematisieren Sinneswahrnehmungen und Kommunikation, insbesondere das Sehen und das Hören, und besitzen häufig einen technischen oder apparatartigen Charakter, ohne die Technik um ihrer selbst willen in den Mittelpunkt zu rücken. Sie ist vielmehr das Medium, durch dessen vermeintlichen Wiedererkennungswert der Betrachter dazu gebracht wird, ungewohnte Perspektiven einzunehmen.

Bogomir Ecker documenta-Teilnehmer und Mitglied der Akademie der Künste Berlin, ist mit Kunst im öffentlichen Raum und kontextbezogenen Skulpturen bzw. Installationen bekannt geworden. Seine Werke zeichnen sich dadurch aus, dass stets naturwissenschaftliche Betrachtungsweisen in sie einfließen. Sie thematisieren Sinneswahrnehmungen und Kommunikation, insbesondere das Sehen und das Hören, und besitzen häufig einen technischen oder apparatartigen Charakter, ohne die Technik um ihrer selbst willen in den Mittelpunkt zu rücken. Sie ist vielmehr das Medium, durch dessen vermeintlichen Wiedererkennungswert der Betrachter dazu gebracht wird, ungewohnte Perspektiven einzunehmen.

Das Werk von Jenny Holzer richtet sich stets an eine breite Öffentlichkeit. 1977 führte sie erste anonyme Plakataktionen mit sogenannten Truisms, Binsenweisheiten und Bekundungen des „gesunden Menschenverstandes“ durch. Andere Medien wie Sitzbänke, Aufkleber oder T-Shirts kamen bald hinzu. 1982 benutzte sie die elektronische Anzeigetafel des Times Square in New York. Mit ihren Arbeiten verfolgt sie das Ziel, Werbe- und Medienbotschaften subversiv zu unterlaufen, indem sie die Seh- und Lesegewohnheiten der Passanten nutzt und mit ihren überraschenden Botschaften konfrontiert. 1990 erhielt sie als erste amerikanische Biennale-Teilnehmerin in Venedig den Goldenen Löwen.

Das Werk von Jenny Holzer richtet sich stets an eine breite Öffentlichkeit. 1977 führte sie erste anonyme Plakataktionen mit sogenannten Truisms, Binsenweisheiten und Bekundungen des „gesunden Menschenverstandes“ durch. Andere Medien wie Sitzbänke, Aufkleber oder T-Shirts kamen bald hinzu. 1982 benutzte sie die elektronische Anzeigetafel des Times Square in New York. Mit ihren Arbeiten verfolgt sie das Ziel, Werbe- und Medienbotschaften subversiv zu unterlaufen, indem sie die Seh- und Lesegewohnheiten der Passanten nutzt und mit ihren überraschenden Botschaften konfrontiert. 1990 erhielt sie als erste amerikanische Biennale-Teilnehmerin in Venedig den Goldenen Löwen.

Mit feiner Ironie stellt Stefan Kern seine Arbeiten in den Grenzbereich von Kunst und Design, von reiner Ästhetik des Objekts und praktischer Verwendbarkeit, und thematisiert auf diese Weise die alte Frage nach der „Funktion“ von Kunst. Formal beziehen sich seine Werke zwar auf Vorbilder wie Donald Judd, Sol LeWitt oder Carl Andre, unterwandern jedoch die stark in der Theorie verhafteten Strategien der Minimal Art, indem Kern die Kunst als „Möblierung“ einer konkreten Nutzung zugänglich macht. Meist handelt es sich um Objekte oder Installationen, z.B. Rednerpult oder Sitzgelegenheit, die einen ausgeprägt kommunikativen und physisch erfahrbaren Charakter besitzen.

Mit feiner Ironie stellt Stefan Kern seine Arbeiten in den Grenzbereich von Kunst und Design, von reiner Ästhetik des Objekts und praktischer Verwendbarkeit, und thematisiert auf diese Weise die alte Frage nach der „Funktion“ von Kunst. Formal beziehen sich seine Werke zwar auf Vorbilder wie Donald Judd, Sol LeWitt oder Carl Andre, unterwandern jedoch die stark in der Theorie verhafteten Strategien der Minimal Art, indem Kern die Kunst als „Möblierung“ einer konkreten Nutzung zugänglich macht. Meist handelt es sich um Objekte oder Installationen, z.B. Rednerpult oder Sitzgelegenheit, die einen ausgeprägt kommunikativen und physisch erfahrbaren Charakter besitzen.

Mit feiner Ironie stellt Stefan Kern seine Arbeiten in den Grenzbereich von Kunst und Design, von reiner Ästhetik des Objekts und praktischer Verwendbarkeit, und thematisiert auf diese Weise die alte Frage nach der „Funktion“ von Kunst. Formal beziehen sich seine Werke zwar auf Vorbilder wie Donald Judd, Sol LeWitt oder Carl Andre, unterwandern jedoch die stark in der Theorie verhafteten Strategien der Minimal Art, indem Kern die Kunst als „Möblierung“ einer konkreten Nutzung zugänglich macht. Meist handelt es sich um Objekte oder Installationen, z.B. Rednerpult oder Sitzgelegenheit, die einen ausgeprägt kommunikativen und physisch erfahrbaren Charakter besitzen.

Mit feiner Ironie stellt Stefan Kern seine Arbeiten in den Grenzbereich von Kunst und Design, von reiner Ästhetik des Objekts und praktischer Verwendbarkeit, und thematisiert auf diese Weise die alte Frage nach der „Funktion“ von Kunst. Formal beziehen sich seine Werke zwar auf Vorbilder wie Donald Judd, Sol LeWitt oder Carl Andre, unterwandern jedoch die stark in der Theorie verhafteten Strategien der Minimal Art, indem Kern die Kunst als „Möblierung“ einer konkreten Nutzung zugänglich macht. Meist handelt es sich um Objekte oder Installationen, z.B. Rednerpult oder Sitzgelegenheit, die einen ausgeprägt kommunikativen und physisch erfahrbaren Charakter besitzen.

Charakteristisch für die Arbeitsweise von Jorge Pardo ist das Ausloten von Gestaltungsmöglichkeiten im Grenzbereich von Kunst und Architektur, von Design und Skulptur, von Alltagstauglichkeit und ästhetischer Autonomie. Souverän bewegt sich der Künstler, der heute in Los Angeles und New York lebt, zwischen den Gattungen. Seine Objekte, Installationen und Gemälde scheinen bekannt, sie beziehen den Betrachter mit ein und eröffnen doch ein weites Assoziationsfeld. Ob sie an Readymades, Designobjekte oder Architektur-Skulptur denken lassen: Pardo stellt die Frage nach dem Kunstcharakter seiner Werke, indem er den Alltag in seine Kunst integriert, in schönen Farben, „sehr kühl, überhaupt nicht emotional“.

Charakteristisch für die Arbeitsweise von Jorge Pardo ist das Ausloten von Gestaltungsmöglichkeiten im Grenzbereich von Kunst und Architektur, von Design und Skulptur, von Alltagstauglichkeit und ästhetischer Autonomie. Souverän bewegt sich der Künstler, der heute in Los Angeles und New York lebt, zwischen den Gattungen. Seine Objekte, Installationen und Gemälde scheinen bekannt, sie beziehen den Betrachter mit ein und eröffnen doch ein weites Assoziationsfeld. Ob sie an Readymades, Designobjekte oder Architektur-Skulptur denken lassen: Pardo stellt die Frage nach dem Kunstcharakter seiner Werke, indem er den Alltag in seine Kunst integriert, in schönen Farben, „sehr kühl, überhaupt nicht emotional“.

Charakteristisch für die Arbeitsweise von Jorge Pardo ist das Ausloten von Gestaltungsmöglichkeiten im Grenzbereich von Kunst und Architektur, von Design und Skulptur, von Alltagstauglichkeit und ästhetischer Autonomie. Souverän bewegt sich der Künstler, der heute in Los Angeles und New York lebt, zwischen den Gattungen. Seine Objekte, Installationen und Gemälde scheinen bekannt, sie beziehen den Betrachter mit ein und eröffnen doch ein weites Assoziationsfeld. Ob sie an Readymades, Designobjekte oder Architektur-Skulptur denken lassen: Pardo stellt die Frage nach dem Kunstcharakter seiner Werke, indem er den Alltag in seine Kunst integriert, in schönen Farben, „sehr kühl, überhaupt nicht emotional“.

Charakteristisch für die Arbeitsweise von Jorge Pardo ist das Ausloten von Gestaltungsmöglichkeiten im Grenzbereich von Kunst und Architektur, von Design und Skulptur, von Alltagstauglichkeit und ästhetischer Autonomie. Souverän bewegt sich der Künstler, der heute in Los Angeles und New York lebt, zwischen den Gattungen. Seine Objekte, Installationen und Gemälde scheinen bekannt, sie beziehen den Betrachter mit ein und eröffnen doch ein weites Assoziationsfeld. Ob sie an Readymades, Designobjekte oder Architektur-Skulptur denken lassen: Pardo stellt die Frage nach dem Kunstcharakter seiner Werke, indem er den Alltag in seine Kunst integriert, in schönen Farben, „sehr kühl, überhaupt nicht emotional“.